Escuela de interpretación en Madrid

LA PARADA DE LOS MONSTRUOS (FREAKS)

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Enanos, niñas down con microcefalia, un hombre sin extremidades, un hermafrodita, dos siamesas fusionadas por la cintura, una mujer barbuda, mutilados o discapacitados psíquicos.

En 1932 Tod Browning –que dos años antes había dirigido la aclamada Drácula con Bela Lugosi– rodó LA PARADA DE LOS MONSTRUOS (FREAKS), una película en la que los actores padecían realmente enfermedades congénitas y en la que contaba la vida de los trabajadores de un circo en el que uno de los enanos se enamora de la bella trapecista y esta intentaba hacerle creer que también se enamoraba de él para poder apoderarse, junto al forzudo de la troupe (su verdadero amante), de toda su fortuna. Al final, todos los ‘monstruos’ trazarán un plan para vengarse de la pareja de desaprensivos.

El director quería agitar la moral de la época y mostrar otra visión acerca de los diferentes, de los considerados anómalos, y que la opinión imperante quedase de alguna manera en entredicho a través del digno comportamiento de los ‘raros’ frente a la perversa conducta de los ‘normales’.

Pero la película fue un fracaso, resultó demasiado controvertida e impactante. La gente no estaba dispuesta a soportar a aquellos repulsivos marginados y salían corriendo despavoridos de las salas de cine. Antes de que hubiera pasado un mes, la película se retiró de las salas en los EE.UU., en Inglaterra estuvo prohibida durante más de treinta años y en el resto de Europa apenas se distribuyó. Hasta que en los sesenta se estrenó en el Festival de Venecia y una década después, casi clandestinamente, en el de Sitges. Realmente en nuestro país no se pudo ver en cines hasta 1997.

No hace ni treinta años que se empezó a considerar una película de culto.

¿Si se tuviese que estrenar hoy podríamos disfrutar de esta extraordinaria cinta o, como ocurrió entonces, la censura se encargaría de prohibir su exhibición terminantemente en casi todo el mundo?

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ÉRASE UNA VEZ EL HOMBRE

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En 1978 el francés Albert Barillé creó una mítica serie de dibujos animados sobre la historia de la humanidad, ÉRASE UNA VEZ EL HOMBRE, donde una familia viajaba desde la prehistoria hasta la actualidad.

Durante la emisión de los capítulos los padres dejaban a sus hijos delante del televisor con la seguridad de que aprenderían y la tranquilidad de que al menos durante ese rato se mantendrían alejados de las violentas imágenes de la animación japonesa que ya empezaba a desembarcar por estos lares.

La serie fue un éxito planetario, se vendió casi a todo el mundo excepto a EE.UU., Australia y Nueva Zelanda. Estaba coproducida por las televisiones públicas de los diez países más potentes de la Europa del momento menos España, a la que también se le ofreció pero finalmente rechazó la oferta. TVE compró la serie completa, pero hubo un capítulo que censuró y no emitió, el número 15: EL SIGLO DE ORO ESPAÑOL. Según la nota del gabinete de prensa de nuestra tele fue «imposible su emisión por razones de orden técnico» aunque el subdirector del momento admitió extraoficialmente que realmente fue «por abundar en los tópicos históricos de la leyenda negra sobre España»

A Barillé, su creador, le sorprendió muchísimo la decisión de TVE y dijo que su «punto de vista sobre la historia es siempre crítico. Yo ni creo ni estoy enamorado de los grandes hombres, porque en realidad no lo han sido, sean del país que sean. Yo, por ejemplo, digo bastantes cosas malas de Luis XIV y a los franceses no les gusta. La televisión francesa tampoco es feliz cuando se les recuerda los tiempos de la esclavitud o del colonialismo. Pero no por eso censuran los episodios. TVE acepta que se diga estos de los demás pero rechaza lo que yo digo de Cortés o de Pizarro. Es un problema de sensibilidad, de cultura. Parece que mis amigos españoles son muy susceptibles».

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MARUJA MALLO

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Todavía alcancé a conocer a Maruja Mallo en sus últimos años. Había pintado mujeres como muñecas y el tiempo la había convertido en una muñeca vieja y parpadeante. Llevaba su flequillo rubio completamente postizo y un lazo infantil sobre sus ochenta o noventa años. Maruja Mallo no se maquillaba sino que pintaba una muñeca sobre su propio rostro y así salía a la calle. Iba vestida de niña antigua y todos los personajes de sus cuadros se habían reunido en ella convirtiéndola en la mujer/verbena, como aquellas que pintó por los años 20, cuando Ortega y Gasset decidió patrocinarla y publicó cosas suyas en la Revista de Occidente.

Maruja Mallo parece una hija natural de Ramón Gómez de la Serna y Tórtola Valencia. Parte de la acumulación y concluye en más acumulación. Se diría que quiere meter en un cuadro todo el Rastro, todas las verbenas y todo aquel madrileñismo entre surrealista y naïf que estuvo de actualidad por los años de entreguerras. Las acumulaciones de Maruja Mallo son fecundas en cuanto que partean otras acumulaciones y nunca se sabe si del vientre de un piano va a nacer una niña muerta o un caballito de la verbena en vivo. Todo muy esnob.

Maruja Mallo cree vivir en el orden más riguroso y no se entera de que ella sólo crea desorden, pero un desorden que tiene sus leyes, sus líneas, sus parámetros, y nos explica muy bien los bailes de barrio, las verbenas del Manzanares y los churros calientes con su humo. (…) Un cuadro múltiple de Maruja Mallo está siempre lleno de Marujas Mallo más pequeñas que corretean por la feria como niñas trasnochadas que también ponen mucho conflicto en la obra, pues estas niñas parecen salidas de la crónica de sucesos…

(…) Juguetes, rifas, molinillos, y la música de los caballitos, que ya no suena en parte alguna salvo en los cuadros de Maruja Mallo. (…) Es cierto que en Maruja Mallo hay sarcasmo y sátira del pueblo y de la aristocracia, con sus reyes gigantones, pero según las confesiones de Maruja Mallo que hemos reproducido, toda burla sobre una realidad brillante esconde admiración y distancia, perplejidad y optimismo.

Sólo nos burlamos de lo que nos deslumbra y Maruja Mallo, con Solana, Valdés Leal y el propio Goya, está buscando la manera de encontrar al pueblo en su momento tembloroso y vívido, cuando acaba de pasar el último tranvía.

Francisco Umbral

?LA VERBENA. 1928
Maruja Mallo

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ARETHA FRANKLIN

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«Cuando no había comida en casa, había Aretha. Cuando no había calefacción, había Aretha» dijo la actriz y cantante Jenifer Lewis el día de su funeral hace dos meses. Podría parecer exagerado pero igual no le faltaba razón.

Aretha Franklin fue la voz y el sonido de la lucha por los derechos civiles. Cantó y gritó por los que menos tenían. Fue una exorcista del dolor. Su música tenía y tiene el mágico poder de hacerte bailar aunque estés sumido en la mayor de las tristezas. Su ritmo y efusividad te obligan a unirte en santa comunión al contagioso desparpajo de su cósmico timbre. Ella era su propio género musical, transcendió las reglas del jazz y el rhythm and blues.

Era la voz del alma. Fue la reina del soul.

Pero antes de reinar –la hija de la pianista y el predicador– tuvo que bregar con una vida complicada en su infancia, dicen. Como en casi todos los casos: no hay diva sin dolor.

Pero dolores aparte, su funeral en Detroit fue una fiesta, duró casi una semana y su cuerpo se expuso en lugares icónicos de la ciudad –cada día con diferentes vestidos, joyas y tacones– y la ceremonia se celebró en la misma iglesia que su padre convirtió en un refugio durante la lucha contra la segregación racial de mediados de los cincuenta. Un lugar al que acudir más allá de creencias y supersticiones, donde las canciones liberaban y apelaban al corazón.

El lugar donde Aretha se despidió para siempre de todos, el mismo donde cantó por primera vez en público cuando solo tenía ocho años.

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row padding_top=»5″ background_image=»0″][vc_column][vc_column_text]Ver el vídeo:[/vc_column_text][vc_separator margin_top=»0″ margin_bottom=»1″ color=»#ffffff» css=».vc_custom_1539849747352{margin-bottom: 5px !important;}»][wolf_video url=»https://youtu.be/rsMGHzOQrps»][/vc_column][/vc_row]

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LA FAMA

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Tenéis muchos sueños, buscáis la fama pero la fama cuesta.

El Quijote habla constantemente de la fama, la desea, ansía que su nombre y figura esten en boca de todos como reflejo de hombre justo y bueno. Anhela pasar a la posteridad como excelente y valiente caballero.

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Warhol, sin embargo, intentó democratizar su significado, lo pervirtió: «En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a quince minutos de gloria. En los años ochenta va a haber cada quince minutos un nuevo futuro. La inspiración será la televisión»

De alguna manera hasta entonces la fama estaba asociada al buen nombre, a las acciones admirables, a las hazañas o a la excelencia en determinados campos del conocimiento y el saber.

A partir de Warhol la fama derivó en barata y vulgar popularidad, en un concepto vacío de cualquier aspecto admirable o deseable. Cualquiera podía ser famoso, que está muy bien, pero lo delirante es que esto incluye a cualquiera que carezca de cualquier tipo de interés o que directamente su aportación al mundo sea la NADA más absoluta.

La búsqueda rápida del pelotazo popular, no hace más que destruir el profundo, verdadero y romántico valor que encierra su poderoso significado: LA ETERNIDAD, y esta, evidentemente no se construye en quince minutos, se ponga como se ponga aquel que consiguió que la sopa Campbell’s se hiciera famosa en todo el planeta.

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Hoy empezamos de nuevo, comienza otra vez el curso. Emprendemos una vez más el viaje, y ya van doce.

Queridas alumnos, no nos importa en que grado y manera busquéis, deseéis o persigáis vuestra fama, pero lo que sí os pedimos es que no os permitáis ser aburridos. Amad lo que hacéis. Comprometeos con esta profesión.

Bienvenidos, todas.

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FOTO 1

Portada de la primera edición francesa de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha de 1863. Ilustración realizada por el pintor, escultor e ilustrador Gustave Doré mediante la técnica de grabado al aguafuerte.

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FOTO 2

Campbell’s Soup Cans. 1962

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EL PIANISTA Y LA BALADA DE CHOPIN

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Cuando el 17 de noviembre de 1944 el destino unió –en una casona abandonada del gueto en el que Hitler ha convertido la desolada e invadida Varsovia– al pianista polaco de origen judío Wladyslaw Szpilman y al oficial nazi Wilm Hosenfeld, probablemente ya no les queden muchos motivos, no para confiar en el que tienen enfrente, sino para no volver hacerlo nunca más en el ser humano.

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El primero lleva demasiados meses huyendo del horror de la invasión nazi y de la Segunda Guerra Mundial. Ha conseguido salvarse de terminar en un campo de concentración pero no sin resignarse antes a ver como su familia se aleja en un tren directo hacia la muerte. La violencia y la brutalidad le han obligado a vivir escondido como a una rata, se ha visto vagando sin rumbo por las ruinas de lo que fue su ciudad rodeado de cadáveres, escombros y destrucción. Y sobrevivir sin aliento al hambre y al frío.

El desaliento del segundo, al contrario de lo que nos podría parecer, en esos momentos ya se ha apoderado de cada hueco de su cuerpo y de su alma. Un soldado que a pesar de ser un entusiasta pedagogo, amante del arte y la literatura, pregonero de la vuelta a la naturaleza, defensor de la camaradería entre sexos –que incluso llegó a coquetear con la republica–un día sucumbió al discurso nacionalsocialista de Hitler y se convirtió en un orgulloso patriota. Un militar al que la vergüenza de la guerra en primera persona le devolverá la razón.

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Y por encima de ellos el poder sobrenatural de la BALADA Nº1 EN SOL MENOR de Chopin, la arrebatadora fuerza del arte que se nos presenta como único salvador posible cuando ni siquiera nosotros mismos encontramos la manera de creer en nosotros.

Aquí la memorable escena de la película EL PIANISTA que Polanski dirigió, con acierto y belleza, recreando el horror de aquella guerra, y que fundamentó sobre las memorias del pianista polaco.

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Escuela de interpretación en Madrid

THIS IS AMERICA

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Donald Glover es un actor, cantante, guionista y director norteamericano que hace un par de años ganó dos Globo de Oro y un Emmy con Atlanta, el proyecto televisivo que dirige, escribe y protagoniza. Una serie que narra la vida de dos primos que intentan abrirse camino en la industria del rap en la ciudad de Atlanta.

Además, Glover tiene un alter ego musical al que llama Childish Gambino, con el que muestra su parte más subversiva, satírica y crítica, y nos habla de la brutalidad policial en América y la realidad de la población afroamericana en su país.

En «This is America» articula un discurso que pone encima de la mesa las contradicciones identitarias estadounidenses. Fija su mirada en el consumismo, el empleo de armas o el racismo. Nada que no supiéramos o hubiéramos oído ya, pero lo hace de una manera que no te deja indiferente.

Brutal.

[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row padding_top=»5″ background_image=»0″][vc_column][vc_column_text]Ver el vídeo:[/vc_column_text][vc_separator margin_top=»0″ margin_bottom=»1″ color=»#ffffff» css=».vc_custom_1539849747352{margin-bottom: 5px !important;}»][wolf_video url=»https://youtu.be/VYOjWnS4cMY»][/vc_column][/vc_row]